服裝時尚插畫-當代最炙手可熱的時裝插畫師是怎麽煉成的

時裝插畫：那個有著500年歷史的”時尚女魔頭“時裝插畫已經存在了將近500年，自從有了衣服以後，就需要將設計衣服的思想或形象轉化為時裝插圖。這種視覺形式起源於插畫，繪畫和油畫，也被稱為“時裝素描”。時裝設計師主要使用“時裝素描”在紙上或數字方式上集思廣益，它在設計中的主要作用是在縫制實際衣服之前可以預覽和可視化最後的結果。接下來，我們就分階段的看壹下時裝插畫這個有著500年歷史的”時尚女魔頭“有著怎樣的歷發展進程。壹.時尚插畫的開始時裝插畫始於16世紀，當時全球的探索和發現導致人們對世界各個國家的人們的著裝而著迷。印制了說明不同社會階層和文化適合穿著的書籍，以幫助消除對變革的恐懼和這些發現所造成的社會動蕩。在1520年至1610年之間，出版了200多種這樣的版畫，蝕刻版畫或木刻作品集，其中包含穿著特定國籍或等級的人物的圖板。這些是最早的服飾插圖，也是現代時裝插圖的原型。這些插圖很可能會被禮服設計師，裁縫師，及其客戶所使用，以激發新的設計靈感。十七世紀的藝術家雅克·卡洛（JacquesCallot）和亞伯拉罕·博斯（AbrahamBosse）都使用現代雕刻技術來制作逼真的時代服裝和服飾細節。這些期刊從1670年代開始在法國和英國開始發行，被認為是第壹本時尚雜誌，其中包括LeMecureGallant，TheLady'sMagazine，LaGalleriedesModes，LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期間，出版期刊的數量有所增加，這是對市場中越來越渴望了解最新時尚新聞的女性讀者的反應。直到在18世紀末和19世紀初，男性風格的插圖才變得與女性插圖同樣重要。二.十九世紀的時尚圖樣（Thefashionplate)時裝圖樣(Thefashionplate)在18世紀後期獨占鰲頭，在巴黎風靡壹時，期間諸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物，以及在拿破侖壹世時期的喬治·雅克·加丁（Georges-JacquesGatine）雕刻的壹系列水彩時裝圖都名噪壹時。法國作為時尚仲裁者的地位確保了國內外對時尚插畫的不斷需求。這種對流行服飾的興趣以及對流行服飾的獲取日益廣泛，導致在19世紀出現了150多種時尚期刊。這些高度詳細的時裝插圖捕獲了時裝趨勢的信息，並提供了壹般的制衣指導。高級服裝定制也是這個階段出現的（出現在1860年代），時裝公司聘請了插畫家，他們將與女裝設計師直接合作，設計師將織物掛在現場模型上時，插畫家則會勾勒出新設計的草圖。他們還會在完成的系列中繪制每個設計的插圖，然後可以將其發送給客戶。到19世紀末，手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。時裝圖樣開始使用兩個人物，其中壹個人物可以從背面或側面看到，以便可以從更多角度看到服裝，從而使復制更加容易。19世紀插畫家的重點是準確性和細節性。他們遵守靜態的圖像約定，以便為觀看者提供全面的信息和指導。三.二十世紀的時尚雜誌和插圖二十世紀初期的幾十年來，現代意義上的時裝插畫首次開花。隨著最新時裝樣式的發行變得越來越有利可圖，時裝插畫師的工作成為壹種職業。時尚以前是單個藝術家的作品，現在正成為壹個行業，以前所未有的數量生產新商品，以填補百貨公司的空缺。這些商店發明了壹種新的全名消遣方式-購物文化。法國奢侈雜誌《憲報》（Gazettedubonton）於1912年至1925年出版，匯集了壹群年輕藝術家，他們在詮釋時尚方面獲得了前所未有的自由。伊裏貝（Iribe）是這些時尚插畫家之中的領軍人物，為著名的出版物做出了貢獻，其中還包括查爾斯·馬丁（CharlesMartin），愛德華多·加西亞·貝尼托（EduardoGarciaBenito），喬治·巴比耶（GeorgeBarbier），喬治·勒帕佩（GeorgesLepape）和翁貝托·布魯內萊斯基（UmbertoBrunelleschi）。他們為《憲報》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影響，以及裝飾藝術風格新的變化。在美國，大眾市場時尚雜誌《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵蓋了社交場合以及當代服裝的流行趨勢。Harper'sBazaar雜誌與鬼才埃特（Erte）簽訂了獨家合同，該合同從1915年持續到1938年，是出版歷史上最長的合同之壹。從1910年到第二次世界大戰爆發，《Vogue》雜誌的封面始終帶有插圖。Vogue的早期封面展示了由美國插畫家海倫·德萊頓（HelenDryden），喬治·沃爾夫·普朗克（GeorgeWolfPlank），喬治·勒帕佩（GeorgesLepape），萊恩德克爾(F.X.Leyendecker)創作的藝術品。第壹次世界大戰後，歐洲藝術家加入了他們的行列，其中包括愛德華多·貝尼托（EduardoBenito），查爾斯·馬丁（CharlesMartin），皮埃爾·布裏索（PierreBrissaud）和安德烈·馬蒂（AndreMarty）。四.時尚插畫的黃金時代1920年代到1930年代代表著時裝插畫的“黃金時代”。每個商業藝術家都被認為是時裝藝術家，都是完美的繪圖員。許多人能夠憑權威和信念來代表織物的質地，光澤甚至重量。攝影和印刷的新技術發展開始將照片的復制直接放置在雜誌的頁面上，這意味著時尚圖樣不再是現代生活的代表。到1930年代初，照片開始成為雜誌的首選，Vogue雜誌在1936年報道說，攝影封面的銷售情況更好，插圖開始被放入到內頁。隨著1929年股市崩盤後的經濟衰退，美國時裝業對巴黎時裝的依賴程度有所降低。在兩次世界大戰期間，美國的服裝制造取得了長足的進步，改進了大規模生產方法並標準化了尺碼。中產階級婦女依靠熟練的裁縫師以負擔得起的價格可以購買最新的時裝設計，而諸如Vogue和Women'sJournal這樣的雜誌出版的圖案對於家庭裁縫師來說是無價的。Vogue雜誌的主要目的是盡可能向讀者展示時尚，攝影使插畫家擺脫了對服裝進行精確記錄的需求，而更傾向於詮釋時髦的服裝。據該雜誌的出版商抱怨說：“藝術家們主要是對獲得有趣的圖畫和裝飾效果感興趣，他們被忠實地報道當代時尚精神的任何事情所累，因此感到無聊。”迪奧在1940年代後期的“NewLook”為戰後時尚復興提供了靈感。從許多方面來說，這是壹種倒退的風格，回到過去而不是對未來進行展望，但它也象征著回到更加開朗，樂觀的時代。五.時尚插畫的毀滅與復興到1950年代，時裝編輯已經將更多預算用於攝影的編輯傳播。隨後將時尚攝影師提升為名人，這意味著插畫家必須滿足於制作和配飾的文章，或從事廣告活動。1960年代，時尚插畫在雜誌出版業中的地位不斷消失，這壹趨勢在面向青年的青少年雜誌的新類別中有所體現，1960年代發行了許多此類雜誌，所有這些插圖都將插畫作為攝影的廉價替代品。安東尼奧·洛佩茲（AntonioLopez）是這期間唯壹在Vogue雜誌上定期亮相的藝術家，他的職業生涯始於《女裝日報》。在20世紀下半葉，時裝插圖壹直難以生存，直到1980年代才開始復興。新壹代藝術家在諸如LaModeenpeinture（1982），CondeNast’sVanity（1981）和Visionaire（1991）之類的雜誌中都有發行。這種復興歸功於廣告活動，特別是Barney在1993-1996年的紐約廣告活動。六.今天的時尚插畫介於精美藝術和商業藝術之間，時裝插畫在最近被重新評估為壹種重要的流派。由於美麗和優雅在時尚和藝術領域都已過時，因此時尚插畫有時看起來像是回到了更早的時代。攝影術非常擅長記錄服裝的詳細信息，因此插畫家的重點不再是服裝的精確呈現，而是解釋服裝和可能的穿著者。在二十世紀末和二十世紀初，由於數字工具和社交媒體平臺的支持，它發展出了壹系列獨特的藝術風格。1990年代，先驅插畫師EdTsuwaki，GrahamRounthwaite，JasonBrooks和KristianRussell等在計算機繪圖領域開始興起。這壹時期見證了計算機設計程序AdobePhotoshop和Illustrator的出現，也見證了傳統的基於藝術的時裝插畫形式的復興。紐約的帕森斯設計學院和FIT學院開始提供插圖作為其時裝課程的專用元素。手工制作的“傳統”插圖壹直在復興，時裝插畫家經常回望過去的大師，尋求風格靈感。以經典方法為基礎的時裝插圖已成功地與更現代的流程所創造的插圖相得益彰。最近，插圖通過時裝設計師和插畫家之間的合作而流行。隨著社交媒體的使用，時裝插畫家開始引起人們的關註。時尚插圖充滿活力色彩，錯綜復雜的圖案和無窮無盡的個性，給人留下深刻的印象。歡迎圍觀公號『繪實踐』，可免費領取插畫師繪畫秘籍大禮包，了解世界商業插畫價格行情。這才是靈魂插畫師！手繪圖只畫壹半也驚艷，這衣服效果比高定還美

都說藝術來源於生活，在很多藝術作品中，那些讓大家有同感的地方，就是來源於自然和生活的部分。在壹位時尚插畫師就堪稱“靈魂設計師”，在他的作品中，我們就能看到這樣的藝術，

他的手繪時尚插畫幾乎都是只畫壹半，卻比完整作品更“充實”且驚艷，尤其是衣服的效果簡直比高定還美。

時尚插畫，聽起來就是種很專業的藝術，但插畫雖然需要專業，但“時尚”確實每個人都能看懂。圖中這件作品，更是

生動地向我們展現了時裝的另壹種魅

力，它的創作人就是

ShamekhAlBluwi，壹位來自約旦的設計師。

常規印象中的時裝，都是通過插畫師的手調色上色，在紙上展現出迷人的時尚色彩。但

ShamekhAlBluwi在工作的旅途中萌生出將美景化作時裝的想法，將插畫的壹部分變成空白的鏤空，用生活中的美景填滿，也讓時尚融入更多生活元素。

正因為這個創意很接地氣，實實在在地融入了生活元素，在他發布這個創意後，迅速收獲了全網的好評。

將現實中的美景融入圖中女孩們的衣服中，讓藝術變成大家都能看得懂的想象力，實在是個巧妙又讓人驚喜地嘗試。

妳可以在Shamekh的作品中看出他有多喜愛自然，也能看到他在很認真地觀察生活。院子裏的樹木、小鳥，都能成為模特身上亮眼的點睛之筆。

他要做的只是拿著這張裁掉壹部分的插畫，將它移動到他想要的畫面上，用相機記錄下來。

他的創意簡單到每個人都可以復制，很多網友開啟了自己的創作模式，每個人都能簡單地嘗試創作藝術的過程，這也是Shamekh的作品受歡迎的原因。

而他作品中很多獨特的視角，也通過美女身上的壹條條的裙子逐漸展現。

像是每天擡頭就能看到的天空，無論是霧蒙蒙還是夕陽晚霞，都能成為裙子上唯美的漸變色。

藍天白雲，也可以是很唯美的裙子印花。壹條純凈的藍裙配上點點深淺不同的藍色，果然自然中的美才是真正的巧奪天工，這壹些甚至無需創造，用鏡頭記錄下來就好。

街邊的壹角也是Shamekh的創作場所，可以是水泥墻，也可以是植物與墻壁的連接與拼接，這些日常平平無奇的畫面，“印”在裙子上壹手，變成了完全不同的畫面。

想要來點亮眼的，路上的標誌和行進的車，都可以成為時髦裙子上的裝點。

Shamekh還很喜歡從壹些物品中“借”點花紋，

比如這個很有特色的沙發墊，人物印花自帶復古宮廷風，馬上成為很別致的藝術感。

路邊的燈，也可以是Shamekh的創作靈感，自帶光感的裙子搭配鏤空花紋

，亮眼又很別致，這些怕是很多設計師都想不到的巧妙印花。

更多復古有原味的鏤空、花紋，都可以成為別具特色的裙子印花

，只需要裁剪好壹個裙型，輕松用“空白”借著美景創造出獨特的設計感。

這些本身很有風格感的瓷磚，也能瞬間成為美女身上的復古印花，幾乎壹件裙子可以有數種風格和印花。

Shamekh還會和很多別人創作的藝術來個小“聯名”，將他人的藝術結合在自己的裙子中，這樣的創意時髦又有新意，和印象中的時尚插畫完全不同。

還可以結合巧妙的角度，將眼中立體畫面變成平面，印在自己的作品中。

日常很普通的廚房壹角，瞬間變成了美人的披風與碎花裙擺，實在是巧妙又驚艷。

同壹位“模特”、同壹條裙子，還可以演繹出N多種不同的風格與配色，讓我們看到時尚並沒有那麽高深復雜，也沒有那麽高高在上，它也可以很日常。

Shamekh的作品還有很多很多，雖然都是取自生活中、自然中的場景，但這也需要創意和敢於發現美的眼睛。

每次看完不同的場景變成的裙子，依舊覺得好驚艷，這才是時尚該有的樣子。妳覺得呢？

這才是靈魂插畫師！手繪圖只畫壹半也驚艷，這衣服效果比高定還美。

當代最炙手可熱的時裝插畫師！是怎麽煉成的？他是最炙手可熱的插畫師也是時尚的最佳代言人大衛.唐頓DavidDownton，1959年生於倫敦。從孩提時代開始，對他最好的款待就是壹大頁白紙。然而，大衛沒有想到的是，很久以後他可以依靠畫為生。▲大衛.唐頓年輕時在畫畫▲工作室自成壹幅畫，和畢加索的工作室比美起來也絲毫不遜色。▲在“有趣有料”的工作臺上更能創作出驚艷的作品。大衛最初學習的是平面設計專業，他的第壹幅作品是20世紀80年代早期，為WhichComputer雜誌設計的封面。▲大衛.唐頓1998年在紐約繪制的時裝插畫。材質為墨水和醋酸纖維紙。▲大衛.唐頓1998年為克裏斯汀.拉克魯瓦繪制的時裝插畫，材質為墨水彩盒紙張。曾有15年時間，大衛壹直是自由職業插畫師。無論有什麽事情發生，他都很享受這種自由插畫師的生活。▲大衛.唐頓1999年為讓.保羅.高緹耶設計的時裝繪制的插畫。黑色連衣長裙搭配黑色墨鏡更為出彩。大衛以凱特.摩斯為原型，以波普風格表現出時裝的經典魅力。這壹作品在時尚界頗為有名，是時裝插畫界近年來最有代表性的作品之壹。▲大衛.唐頓1999年為華倫天奴繪制的時裝插畫。同拉克魯瓦、Eric等人的畫風類似，他運用的色彩富有現代性。▲大衛.唐頓1999年在倫敦創作的時裝插畫PalomaPicasso。材質為水粉、墨水盒紙張，醋酸纖維紙覆膜。▲大衛.唐頓1999年在倫敦完成的剪紙瓶貼畫，模特為Iman。在潘通紙上以醋酸纖維紙覆膜後用墨水繪制。大衛的作品線條簡潔流暢，很有質感，風格也不矯揉造作，可以很好地展現出的優美體態。因為這種獨特的繪畫風格，有壹些人開始邀請他制作時裝插畫。其中，就包括85歲的不老神話卡門·戴爾·奧利菲斯，她也是大衛的繆斯之壹。▲大衛.唐頓2000年的紐約繪制的時裝插畫，模特為卡門.戴爾.奧爾菲斯，服裝由ThierryMugler設計。這幅作品先用油畫棒在潘通紙上繪制，醋酸纖維紙覆膜後，再以墨水繪制。▲大衛.唐頓2001年為歐洲著名時尚雜誌主編安娜.佩姬繪制的肖像，他十分成功地抓住了這位“時尚教母”的靈魂。誇張的配色、戲謔的表情、不羈的態度結合看似狂野卻十分嫻熟的筆觸結合在壹起～完美！▲大衛.唐頓2002年為香奈兒的設計總監阿曼達.哈莉齊繪制的肖像。他壹直對拉克魯瓦、安東尼奧、Eric這些藝術家心存景仰。因此，在早期的畫風上顏色和線條也有相似之處。1996年他為雜誌制作過高級時裝展的插圖，1997年他便開始活躍於巴黎高級女裝秀。最開始他眼花繚亂完全沒有準備，但是，巴黎時裝秀實實在在地，激發出壹個藝術家的靈感。巴黎有最漂亮的女人和最優秀的設計作品。而這裏的壹切都讓人神魂顛倒。在模特走秀的時候，大衛從來不作畫。因為他發現那根本無法進行，他僅僅是攝影或者在壹旁觀看，並實實在在的感受每壹個打動人的瞬間。他抓住其他的任何機會來畫，模特靜止不動的任何瞬間都逃不過他的眼。比如：試衣的時候，有時候甚至是在參加發布會上模特休息的瞬間...▲化妝品也是他的工具，起筆和落筆之間動人心扉，濃淡皆宜。大衛說：“我最開始畫的時候，認為按照舞臺上的走秀還原衣服本身的樣子就是我的責任。然而，第壹次參加時裝發布會是在範思哲的秀場上，在凱特.摩斯消失之前，我僅僅才畫出她的胳膊！所以，享受當下模特所展示的任何細節才是最佳選擇。”▲草稿也動人大衛認為最重要的是對衣服表層之下的身體的感覺，然後才是比例、顏色等壹些細節，然而，這壹點是較難做到的。▲草稿也動人大衛畫無數份的設計草樣，然後從中挑選出最好的，畫得差不多的時候他就開始剔除，“分解—重建”它們。他持續地畫，壹直到它們看起來自然為止。他為世界各地的知名媒體，如《泰晤士報》《獨立報》，以及Harper’sBazaar(a澳洲版）等，撰寫時裝的相關報道。並在倫敦舉行過三次個展，在紐約也舉行過壹次個展。近年來，他還為香港的購物中心設計視覺圖像，以及為Vogue女性時裝系列繪制插畫。▲大衛.唐頓2004年為《星期六晚郵報》繪制的封面。這幅作品創作於巴黎，材質為水粉、水彩和紙張。▲大衛.唐頓為TopShop2004年9月的時裝發布會設計的廣告招貼。這個品牌為年輕設計師的作品。▲大衛.唐頓2005年受Vogue（中國版）委托繪制的插畫ValentionFitting。材質為墨水、水粉和紙張，醋酸纖維紙。▲大衛.唐頓2006年為YSL繪制的時裝插畫。材質為墨水、水彩和紙張。▲大衛.唐頓2006年為YSL繪制的時裝畫，材質為墨水、水粉、炭筆和紙張。▲大衛.唐頓2007年受Madame雜誌（德國版）委托繪制的時裝插畫。這幅作品先用油畫棒在紙上繪制，醋酸纖維紙覆膜後，再以墨水和水粉繪制。▲大衛.唐頓2007年受倫敦《泰晤士報》委托繪制的插畫。材質為墨水、水粉和紙張。▲大衛.唐頓2008年為自己的雜誌PourquoiPas繪制的插畫，模特為蒂塔.萬提斯，服裝由拉克魯瓦設計，材質為墨水、水粉和紙張，醋酸纖維紙覆膜。大衛是不是把舞娘畫的淋漓盡致~要想功夫深鐵杵磨成針～想擁有超越別人之外的能力，就要將能力修煉到極致！